Ölmalerei Level 3 | Die atmosphärische Perspektive

So verwendet man die atmosphärische Perspektive, um Bildern Tiefe zu verleihen

Was ist atmosphärische Perspektive?

Atmosphärische Perspektive (oder Luftperspektive) bezieht sich darauf, wie die Atmosphäre beeinflusst wird und wie wir Objekte sehen, wenn sie weit in der Ferne liegen.

Die atmosphärische Perspektive zeigt an, dass wir, wenn ein Objekt relativ zum Betrachter in die Ferne rückt, dieses Objekt mit reduzierter Klarheit, Wertigkeit und Farbsättigung sehen. Außerdem scheinen Objekte in der Ferne eine relativ kühle Farbtemperatur zu haben (meist erscheinen sie bläulich).

In diesem Beitrag werde ich näher darauf eingehen, was eine atmosphärische Perspektive ist und wie man sie verwenden kann, um die Illusion von Tiefe in Bildern zu erzeugen.

Atmosphärische und lineare Perspektive

Es gibt zwei Arten von Perspektiven – atmosphärisch und linear. Wie oben erwähnt, bezieht sich die atmosphärische Perspektive darauf, wie die Atmosphäre bestimmt, auf welche Weise wir Dinge sehen.

Die lineare Perspektive hingegen bezieht sich auf die relative Größe von Objekten und darauf, dass ein Objekt kleiner erscheint, wenn es sich in der Ferne liegt.

Die Kenntnis sowohl atmosphärischer als auch linearer Perspektiven ist unerlässlich um zu lernen, wie man genau und realistisch malt.

Die meiste Zeit, wenn wir an Perspektive denken, denken wir nur an die lineare Perspektive.

Leonardo da Vinci war ein Künstler, der die Bedeutung der atmosphärischen Perspektive verstand und sie als ebenso wichtig wie die lineare Perspektive in der Malerei ansah. Viele von da Vincis Gemälden haben aufgrund der geschickten Verwendung atmosphärischer Perspektiven eine fast ätherische Stimmung.

Atmosphärische Perspektive und Realismus

Atmosphärische und lineare Perspektiven sind beide wesentliche Bestandteile der Erstellung realistischer Gemälde, da sie widerspiegeln, wie wir die Dinge tatsächlich sehen. Die lineare Perspektive ist jedoch viel einfacher zu demonstrieren, wenn architektonische Elemente vorhanden sind (wie in dem Gemälde unten von Jewgeni Lushpin). Leider sind in Landschaftsgemälden architektonische Elemente nicht immer vorhanden, daher müssen wir uns stattdessen mehr auf die atmosphärische Perspektive verlassen, um die Illusion von Tiefe zu erzeugen.

Die 4 Schlüssel zur Schaffung der Illusion einer atmosphärischen Perspektive

1. Textur

Textur kann sich auf zwei Dinge beziehen:

– Die physische Textur der Farbe; oder

– Die Illusion von Textur in einem Gemälde (z. B. mit der Scumble-Technik, um die Illusion von trockener Rinde an der Seite eines Baums zu erzeugen).

Um die Illusion von Tiefe in Deinen Gemälden zu erzeugen, kannst Du im Vordergrund mehr Textur als Kontrast zu einem viel glatteren Hintergrund verwenden. Dies spiegelt wider, wie wir tatsächlich Details sehen. Wenn Du eine Landschaftsszene betrachtest, kannst Du all die winzigen Details und Texturen im Vordergrund sehen – also Steine, Grashalme, Äste, Insekten, Pflanzen usw.

Aber je weiter man in die Ferne schaut, verschwinden all diese kleinen Details und Texturen und glätten sich zu einer allgemeinen Masse von Farben und Formen.

Auf dem untenstehenden Bild ist das gut zu sehen: die Baumstämme im Vordergrund sind detailreich gemalt, im Hintergrund aber ist von der Textur des Holzes kaum noch etwas zu sehen.

2. Tonwert

Tonwerte bezeichnen, wie hell oder dunkel etwas ist, auf einer Skala von Schwarz bis Weiß (wobei Schwarz der niedrigste Wert und Weiß der höchste Wert ist). Du kannst mehr über Tonwerte in diesem Beitrag lesen .

Wenn ein Objekt in die Ferne rückt, sieht es so aus, als hätte es einen höheren Wert, als es tatsächlich ist. Mit anderen Worten, Objekte in der Ferne werden ein paar Stufen heller dargestellt als sie wirklich sind.

Beachte in dem Gemälde unten von Albert Bierstadt, wie die entfernten Klippen zu unserer Linken einen höheren Wert haben (heller sind) als die Klippen, die uns näher sind. Beachte auch, dass der Himmel direkt über dem Horizont heller ist als der Rest des Himmels. Dies schiebt diese Bereiche in das Gemälde zurück und erzeugt diese Illusion von Tiefe.

3. Klarheit

Dies ist ein einfaches Konzept, aber eines, mit dem Anfänger zu kämpfen scheinen. Wenn Du ein Objekt in der Ferne betrachtest, erscheint es viel weniger klar und detailliert, als wenn Du dasselbe Objekt aus der Nähe betrachtest. Wenn man also die Bäume am Horizont malt, müssen keine Blätter mehr gemalt werden, sondern blassgrüne Formen. Im Vordergrund allerdings werden alle Formen und Details präzise ausgearbeitet.

4. Farbtemperatur und Sättigung

Im Allgemeinen verschiebt sich die Farbtemperatur eines Objekts in Richtung der kühlen Seite (die im Farbrad unten links von uns liegt und die Blau-, Violett- und Grüntöne umfasst), wenn es sich in die Ferne zurückzieht. Farben erscheinen auch in der Ferne weniger gesättigt (weniger intensiv).

Natürlich ist alles relativ, auch in der Ferne kann man immer noch warme Farben haben. Aber sie werden kühler sein als das, was man aus der Nähe sieht. Stelle Dir zum Beispiel ein Objekt vor, das leuchtend orange ist. Aus der Nähe sieht es natürlich sehr orange aus. Wenn sich dieses Objekt jedoch in die Ferne zurückzieht, nimmt das Orange ein etwas kühleres und weniger gesättigtes Aussehen an (als ob man etwas Blau oder Lila unter dieses Orange gemischt hätte).

Beachte bei den folgenden Gemälden die Farbtemperatur des Hintergrunds relativ zum Vordergrund.

Ölmalerei Level 3 | Die atmosphärische Perspektive

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