Eine absorbierende Grundierung ist ein Grundierverfahren, das den Farben das Öl entzieht, sie matt macht und die Trocknungszeit stark beschleunigt.

Von der Firma Golden gibt es diese Grundiermasse inzwischen auch in Deutschland (bei Boesner) unter dem Namen Absorbent Ground.

Nach dem Aufstreichen und Austrocknen hat diese Grundierung eine beinahe papierartige, poröse Oberfläche. Damit lassen sich mit Ölfarben aquarellartige Bilder malen.

In der Kunstgeschichte finden wir gute Anwendungsbeispiele: William Turner (1775 – 1851 - Bild links) hat seine Bilder absorbierend grundiert.

Historisch gesehen ist abstrakte Kunst eine legitime Kunstform, die inzwischen mehr als 100 Jahre alt ist.

Der amerikanische Künstler Arshile Gorky hat vielleicht die treffendste Beschreibung geliefert: "Durch Abstraktion kann der Mensch mit seinem Verstand sehen, was er mit seinen Augen physisch nicht sehen kann".

Abstraktion bedeutet wörtlich die Distanzierung einer Idee von objektiven Referenzen.

Auf die bildende Kunst übertragen bedeutet das, eine Darstellung von wörtlichen, gegenständlichen Bezugspunkten abzuwenden.
Zu malen, was man fühlt, und nicht das, was man sieht.

Es geht also darum, mit Formen, Farben, Komposition und gestischen Zeichen eine Wirkung zu erzielen.

Bild: Gerhard Richter

"Abstrakter Expressionismus" war nie ein ideales Label für die Bewegung, die sich in den 1940er und 1950er Jahren in New York entwickelte.
Es sollte nicht nur die Arbeit von Malern umfassen, die ihre Leinwände mit Farbfeldern und abstrakten Formen füllten, sondern auch jene, die ihre Leinwände mit einem energischen gestischen Expressionismus angriffen.

Trotzdem ist der abstrakte Expressionismus der am meisten akzeptierte Begriff für eine Gruppe von Künstlern, die vieles gemeinsam haben.
Alle haben sich der Kunst als Ausdruck des Selbst verschrieben, geboren aus tiefgreifenden Emotionen und universellen Themen, und die meisten sind vom Vermächtnis des Surrealismus geprägt, einer Bewegung, die sie in einen neuen Stil umwandelten, der der Nachkriegsstimmung von Angst und Trauma entsprach .

In ihrem Erfolg beraubten diese New Yorker Maler Paris seines Mantels als Führer der modernen Kunst und stellten die Bühne für Amerikas Dominanz in der internationalen Kunstwelt.

Als achromatische Farben werden “unbunte” Farben bezeichnet, denen keine Tönung beigemischt ist. Also Schwarz, Weiß und Grau.

Acryl-Gesso verwendet man speziell zum Grundieren von Malgründen für Acrylbilder.
IIm Gegensatz zu herkömmlichem bleibt Acryl-Gesso flexibel und eignet sich daher optimal zum Grundieren von Leinwand, Papier und Malplatten. Es schafft gleichmäßig saugende Untergründe.

Acrylbinder ist ein Reinacrylat und dient bei Acrylfarben der Bindung der einzelnen Farbpigmente.
Man kann Acrylbinder auch gut zum Grundieren, Lasieren und Verkleben benutzen. Oder zur Herstellung von eigener Acrylfarbe.

Acrylfarben sind wasserlösliche Farben, die heute vielerorts als Ergänzung oder Ersatz für Ölfarbe in die Ateliers Einzug gehalten haben.
Die getrocknete Farbe ist leicht glänzend und bildet einen elastischen, wasserfesten und relativ unempfindlichen Film auf dem Malgrund.

Ein Malstil und eine Methode, die eine intensive körperliche Aktivität erfordern, insbesondere in Verbindung mit der New York School of Abstract Expressionism. Jackson Pollock verwendete oft diese Technik, bei der Farbe mit schnellen, kraftvollen und impulsiven (ungeplanten) Bewegungen aufgetragen wurde. Der Prozess diktierte das Thema. Der Begriff wurde Anfang der 1950er Jahre vom Kunstkritiker Harold Rosenberg geprägt.

Additiv bedeutet eigentlich “etwas hinzufügen”. Additive gibt es für die Acrylmalerei: sie erhalten die Geschmeidigkeit, aber steuern die Glanzwirkung und den Trocknungsprozess der Acrylfaben.

Spritzpistole, die etwas größer als ein Füllfederhalter ist und ein glattes, gleichmäßiges Finish erzeugt. Das Gerät hat einen Zylinder, der die Luft komprimiert und sich am Ende erweitert. An dem Punkt, an dem sich die Luft ausdehnt, verbindet sie sich mit Farbe, die aus einem angeschlossenen Behälter zugeführt wird.
Die Airbrush wurde 1893 von Charles Burdick, einem Engländer, patentiert.

Unterricht nach festgelegten Regeln an offiziellen Kunstschulen oder Akademien, die sich ab dem frühen 18. Jahrhundert in Europa zu vermehren begannen.
Die Londoner Royal Academy und die Ecole des Beaux Arts in Paris boten strukturierte Lehrpläne an, die sich auf Historienmalerei, Porträts, Landschaften, Stillleben und Genres in dieser Reihenfolge konzentrierten. Der Unterricht reichte vom Zeichnen von klassischen Statuen oder Gipsabgüssen über das Modellieren von Akten bis hin zum realistischen Malen.
Da die Akademien des 19. Jahrhunderts in Europa und Amerika eher konservativ waren und von Männern dominiert wurden, bedeutet der Begriff akademische Kunst das, was traditionell ist und das Gegenteil von innovativ oder kreativ.
Im 20. Jahrhundert mit dem Aufkommen der Abstraktion hat der Begriff akademische Kunst negative Konnotationen, die darauf hindeuten, dass eine Arbeit auf Wissen, Intellekt und technischem Fachwissen beruht und keine emotionale Inspiration bietet.

Von einem Akzent spricht man, wenn ein Künstler bestimmte Elemente in einem Gemälde hervorhebt, damit die Arbeit mehr Aufmerksamkeit erregt. Der Akzent kann sich auch auf die Details beziehen, die ein Objekt oder Kunstwerk definieren.

In der Antike ein Kalkkarbonat, das in ägyptischen Skulpturen verwendet wurde, insbesondere für kleine tragbare Stücke.
Außerdem: moderner Alabaster, ein Kalksulfat, das hochglanzpoliert, aber auch sehr schnell beschädigt werden kann und in Europa seit dem 14.  Jhd.  für Grabbilder und Skulpturen beliebt ist.

Der Begriff “Alla prima” kommt aus dem Italienischen und ist eine andere Bezeichnung für Nass-in-Nass. Alla prima wird bei der Ölmalerei angewendet und erfordert eine schnelle und konzentrierte Malweise. Nasse Farbschichten werden auf nasse Untermalungen gemalt.

Analoge Farben sind Gruppen von jeweils 3 Farben, die auf dem Farbkreis nebeneinander liegen. Eine davon ist die dominante Farbe.

Der Begriff “analog” steht in diesem Zusammenhang für “eine Beziehung zueinander haben”, oder “mit etwas korrespondieren”.
Bilder, die in anaologen Farben gemalt sind, erhalten einen monochromatischen Look.
Man wählt entweder warme oder kalte Farben und schafft es damit, eine Bildatmosphäre zu kreieren, die sowohl die Temperatur wiedergibt als auch eine perfekte, abgestimmte Farbharmonie.Als Beispiel hier ein Bild in analogen Farben von Picasso.

Der von dem Franzosen Marcel Duchamp (ca. 1914) eingeführte Begriff für eine Kunstform, Dada oder in seiner Tradition, wo konventionelle Formen und Theorien abgelehnt werden. Dies kann sich auf ihre Materialien, Techniken oder Darstellungsmethoden beziehen.

Das Wort Aquarell (aquarelle) stammt aus dem Französischen und bedeutet Wasserfarbe.
Aquarellfarbe besteht aus einigen einfachen Zutaten, aber die beiden Hauptkomponenten sind das Pigment (das liefert die Farbe) und das Bindemittel (normalerweise Gummi arabicum). Aquarellfarben enthalten auch einige andere Zusätze, die das Aussehen der Farbe, die Leistung der Farbe und die Haltbarkeit des Produkts verändern.

Eine Ätz- oder Gravurtechnik, die zur Tiefdrucktechnik gehört. Im Gegensatz zur Radierung konzentriert man sich bei der Aquatinta nicht auf die Linie, sondern auf die Fläche. Man schafft also mehr tonale als lineare Effekte.

Die Druckplatte wird mit Kolophonium bestäubt. Danach wird diese Staubschicht aufgeschmolzen, indem man die Platte von unten erwärmt. Die körnige Textur, die man in vielen Drucken sieht, entsteht durch diese Staubschicht.

Jedes einzelne Staubkorn schützt bei der anschließenden Ätzung das darunterliegende Metall. Mit einem feinen Aquarellpinsel und einem Stoppmedium (z.B. Asphalt) beginnt der Künstler, zuerst die weißesten Teile des Bildes festzulegen. Nach dem Zeichnen dieses Abschnitts wird die Kupferplatte in ein Säurebad getaucht und geätzt. Als nächstes werden die Bereiche, die einem etwas dunkleren Ton entsprechen, auf die Platte gezeichnet. Die Druckplatte wird in erneut in ein Säurebad getaucht und geätzt.

Normalerweise wird die Platte sieben- bis neunmal gezeichnet und geätzt, um den gesamten Bereich von Licht bis Dunkel zu erreichen.

Arabeske ist ursprünglich ein architektonischer Begriff, der für Dekorationen verwendet wird, bei denen Blätter, Blumen, Tiere und andere Figuren im arabischen Stil anmutig miteinander verwoben sind - daher der Name.

Bezeichnung für Materialien (meistens Papier), die alle Kriterien erfüllen, um alterungsbeständig zu sein (Lignin-frei, pH neutral, alkalisch gepuffert, lichtecht etc.)

Der Begriff Art Brut wurde 1945 vom französischen Künstler Jean Dubuffet (1901-1985) geprägt und bedeutet so viel wie „rohe Kunst“.

Es bezieht sich auf die autodidaktische Kunst der Außenseiter - naive Künstler, Geisteskranke, Insassen von Gefängnissen und die Kunst von Kindern und Personen, die von der Hauptgesellschaft isoliert sind.

Art Deco war von 1920 bis 1939 eine beliebte Designbewegung, die nicht nur die dekorativen Künste wie Architektur, Innenarchitektur und Industriedesign beeinflusste, sondern auch die visuellen Künsten wie Mode, Malerei, Grafik und Film. Diese Bewegung war gewissermaßen eine Verschmelzung vieler verschiedener Stile und Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts, einschließlich Konstruktivismus, Kubismus, Moderne, Bauhaus, Jugendstil und Futurismus.
Obwohl viele Kunst- und Designbewegungen politische oder philosophische Wurzeln bzw. Absichten haben, war Art Deco rein dekorativ. Das wichtigste Merkmal von Art Deco sind viele geometrische Linien, Muster und Kurven.

(siehe Jugendstil)

Der Automatismus ist eine surrealistische Technik ohne bewusste Selbstzensur.

Insbesondere André Masson, Arshile Gorky und Max Ernst experimentierten mit fantastischen oder erotischen Bildern, die spontan in einer Art visueller freier Assoziation ganz spontan und gemalt bzw. gezeichnet wurden.

 

 

 

Kunstepoche der westlichen Kunstgeschichte, die in etwa mit dem 17. Jahrhundert zusammenfällt.

Die frühesten Erscheinungen in Italien stammen aus den letzten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts, während in einigen Regionen, insbesondere in Deutschland und im kolonialen Südamerika, bestimmte Höhepunkte des Barock erst im 18. Jahrhundert erreicht wurden.

Das Werk, das die Barockzeit auszeichnet, ist stilistisch komplex, ja widersprüchlich.

Im Allgemeinen liegt jedoch der Wunsch zugrunde, emotionale Zustände hervorzurufen, indem die Sinne oft auf dramatische Weise angesprochen werden.

Einige der Eigenschaften, die mit dem Barock am häufigsten verbunden sind, sind Größe, sinnliche Fülle, Dramatik, Vitalität, Bewegung, Spannung, emotionaler Überschwang und die Tendenz, die Unterschiede zwischen den verschiedenen Künsten zu verwischen.

Wichtigste Künstler des Barock: Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Nicolas Poussin

1919 gründete Walter Gropius in Weimar eine staatliche Schule für Architekten, Künstler und Industriedesigner, an der modernes, funktionales Design unterrichtet wurde. Es wurden neue Produktionsverfahren erprobt und den Studenten Raum gegeben, eine neue, zeitgemäße Designsprache zu entwickeln. Zu einer Zeit, in der sich nur eine elitäre oberste Schicht (Jugendstil) Design leisten konnte, ging das Bauhaus von dem Ideal aus, schönes und praktisches Design für jedermann zugänglich zu machen.

Die Ziele des Bauhauses waren:

eine gründliche handwerkliche Ausbildung
Schaffung hochwertiger technischer und ästhetischer Produkte
Betonung der Produktfunktionalität
Erschwingliche Produkte durch industrielle Produktionsprozesse liefern
Zusammenarbeit innerhalb der Kunstdisziplinen zu einem Gesamtkunstwerk
Integration von Kunst in das tägliche Leben
Neben Grundfächern wie Form und Farbe, Komposition, Zeichnen, Malen, Skulptur und Kunst wurden die Schüler in Metall- und Holzbearbeitung, Weberei, Keramik, Glasmalerei, Fotografie, Werbung, Grafikdesign, Möbelherstellung, Theatertechnik und Theater unterrichtet. Alle diese Formen sollten der Architektur dienen.

Wachs aus Bienenwaben, das als Medium für das Modellieren, für die Enkaustikmalerei, für Wachslacke, für Ätzgründe, als Resist für Batiken und für andere Techniken und Medien verwendet wird.

1. Als Binder (oder Bindemittel) bezeichnet man den Inhaltsstoff in der Farbe, der die Pigmentpartikel aneinander haftet. Es schafft eine einheitliche Konsistenz, Solidität und Kohäsion der Farbe.

2. (Acryl-) Binder: Reinacrylat, vereinfacht eine Acylfarbe ohne Pigmente, also völlig farblos. Man verwendet einen Binder in der Acrylmalerei zum Grundieren, zum Lasieren, als Zwischenfirnis und zum Herstellen von Acylfarben.

Abstrakte Kunst, deren Formen lebenden Organismen ähneln. Die Formen sind abgerundet, wirken anmutig und haben eher die Konturen von Pflanzen und Tieren als harte geometrische Formen. Der Surrealist Yves Tanguy verwendete in seinen Gemälden häufig biomorphe Formen.

Bister ist ein gelbbraunes Farbpigment, hergestellt aus dem Ruß und Teer von verbranntem Holz, aus Schellack oder der gemahlenen Schale von Walnüssen und arabischem Gummi. Das Wort Bister kommt aus dem Französischen und steht für braun, haselnussfarben, dunkel- oder schokoladenbraun.
Bister eignet sich nicht nur zum Zeichnen, sondern auch zum Beizen von Holz.
Der große Nachteil besteht in der Lichtempfindlichkeit. Bisterzeichnungen, die vollem Sonnenlicht ausgesetzt sind, verschwinden mit der Zeit.

Blutende Farben erhält man, wenn man einen nassen Farbauftrag gegen einen anderen nassen Farbauftrag setzt. Beim Aquarellieren ist das gewollt, bei der Ölmalerei jedoch kann es leicht zur Katastrophe führen. Besser ist, man läßt eine Farbschicht vorher etwas antrocknen.

Der “Body” einer Farbe sagt etwas über die Fließbarkeit und Konsistenz der Farbe aus. “Heavy Body” (findet man bei den Acrylfarben) ist also eine Farbe mit beinahe butterartiger Konsistenz und hohem Pigmentanteil.

Der italienische Begriff bedeutet Workshop oder Studio und bezieht sich auf einen Ort, an dem ein aufstrebender Künstler von einem Meisterkünstler lernt. Eine Bottega kann auch eine Art Praktikum sein, in dem Assistenten einem Maler oder Bildhauer helfen, ein Werk auszuführen, das die Unterschrift des betreuenden Künstlers - des Meisters - trägt.

Während der italienischen Renaissance befanden sich in Florenz etwa 30 "Botteghe", und eine der bekanntesten wurde von Leonardo Da Vinci beaufsichtigt.

Brunaille hat seine Wurzeln in Glasmalereien aus dem 12. Jahrhundert für die Zisterzienserklöster, die im Jahre 1134 die Verwendung von Farbe in ihrer Kunst verboten haben.

Bis das Wort Brunaille geboren wurde, sollten allerdings noch 600 weitere Jahre vergehen.

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts taucht dieser Begriff zum ersten Mal in Frankreich auf, um Bilder zu beschreiben, die in Brauntönen gemalt sind.

Heute wird der Begriff Brunaille nur noch in Zusammenhang mit Grisaille gebraucht. Im Gegensatz zum Grisaille werden bei dieser Untermalung braune Farbtöne verwendet.

Gerät, das eine Linse verwendet, um ein verkleinertes Bild eines Objekts auf eine flache Oberfläche zu projizieren, damit der Umriss nachgezeichnet werden kann. Sozusagen ein mittelalterlicher Projektor. Beliebt bei Künstlern von der Renaissance bis zum 18. Jahrhundert.

(Italienisch: chiaroscuro, Deutsch: Helldunkel) ist eine Technik in Malerei, Fotografie und Film, in der Licht-und Dunkelkontraste viel stärker ausgebildet werden als sie in der Realität sind.

Sogenannte Mitteltöne werden äußerst sparsam verwendet. Dadurch erreicht man einen dramatischen Effekt.

Bei “clair obscur” ist der Hintergrund dunkel und der Vordergrund hell. Die Lichtquelle ist nicht deutlich auszumachen.

Diese Technik stammt aus dem Mittelalter, Masaccio (1401 – 1428) soll sie entwickelt und verbreitet haben.
Caravaggio, Georges de La Tour und Rembrandt waren die Meister des Chiaroscuro.

Italienisch für das 16. Jahrhundert. Bezieht sich traditionell auf italienische Kunst (1500-1600).

Eine Collage (aus dem Französischen: coller, kleben) ist ein Kunstwerk, das aus einer Zusammenstellung verschiedener Formen besteht und so ein neues Ganzes schafft. Eine künstlerische Collage-Arbeit kann Zeitungsausschnitte, Bänder, farbige oder handgefertigte Papierstücke, Teile anderer Kunstwerke, Fotografien usw. enthalten, die auf einen festen Träger oder eine Leinwand geklebt sind.

Copal ist ein halbfossiler Harz (Vorstufe von Bernstein), der in den meisten tropischen Ländern vorkommt. Er wird zur Herstellung von Firnissen und Malmitteln verwendet.

Dada oder Dadaismus ist eine kulturelle Bewegung, die in der Schweiz während des Ersten Weltkriegs begann und von 1916 bis 1920 ihren Höhepunkt erreichte. Die Bewegung umfasste hauptsächlich bildende Kunst, Literatur (Poesie, Kunstmanifeste, Kunsttheorie), Theater und Grafikdesign.

Ziel war eine Art Antikriegspolitik durch die Ablehnung der vorherrschenden Standards in der Kunst durch Anti-Kunst. Zu den Aktivitäten von Dada gehörten öffentliche Versammlungen, Demonstrationen und die Veröffentlichung von Kunst- / Literaturzeitschriften.

Dammar ist ein copal-artiges Harz aus Bäumen des südliches Asiens, insbesondere Malaysia und Sumatra. Dammar wird vor allem für die Herstellung von Klarlack und Firnis verwendet.
Dammarfirnis ist ein Schlussfirnis für Ölgemälde, um sie zu schützen und ihnen Glanz zu verleihen. Er kommt auch bei Eitempera-Malerei zum Einsatz, damit sie lasierend vermalt werden können.

Aus dem französischen Wort decoller abgeleitet, was "nicht kleben" bedeutet.

Dekollage ist das Gegenteil von Collage, die sich aus Schichten zusammensetzt. Bei einer Dekollage werden Papierschichten oder andere Materialien abgerissen, um Teile des Untergrunds freizulegen und einen Effekt zu erzielen.

Viktorianisches Kunsthandwerk, bei dem Motive aus Papier ausgeschnitten, auf eine Oberfläche geklebt und mit Lack überzogen werden, um ein völlig glattes Finish zu erzielen

Ein Diptychon ist ein Kunstwerk, das aus zwei verschiedenen Teilen besteht. Dptychons im Mittelalter waren oftmals 2 Gemälde auf (zumeist) Holzplatten, die durch Scharniere aneinander befestigt waren. Oft zu finden bei Altarbildern.

Bei einem Drip Painting wird Farbe auf ein auf dem Boden ausgebreitetes Stück Leinwand gemalt, getropft oder gegossen, wodurch lange, durchgehende Linien entstehen, die durch Auftragen von Farbe auf eine Leinwand mit einem Pinsel nicht zu erreichen sind.
Berühmtester Vertreter: Jackson Pollock

Drybrush ist eine Maltechnik, bei der ein Pinsel verwendet wird, der relativ trocken ist und nur an der Spitze ein wenig relativ trockene Farbe enthält. Diese Farbe wird auf einen trockenen Träger wie Papier oder grundierte Leinwand aufgebracht. Die resultierenden Pinselstriche haben ein charakteristisches, etwas zerkratztes Aussehen.

In der Drybrush-Technik kann man sowohl mit wasserbasierten Farben als auch auf Ölbasis arbeiten.

Die Technik wird häufig verwendet, um Highlights aufzusetzen.

Ein Echorche (écorché) ist eine gezeichnete, gemalte oder geformte Figur, die die Muskeln des Körpers ohne Haut zeigt.

Der Architekt und Theoretiker der Renaissance, Leon Battista Alberti, empfahl, wenn Maler einen Akt darstellen möchten, zuerst die Muskeln und Knochen anzuordnen und dann die darüber liegende Haut darzustellen.

Ein warmes, sehr dunkles Pigment. In der Vergangenheit stammte dieses Schwarz aus verbranntem Elfenbein von heute vom Aussterben bedrohten Arten. Zum Glück ist dies nicht mehr üblich.
Ein Elfenbeinschwarz mit Gelb erzeugt ein geschwärztes Grün, das sich hervorragend für von hinten beleuchtetes Laub eignet.

In der bildenden Kunst beschreibt das Wort "Enkaustik" sowohl die Farbe als auch die Maltechnik, bei der heißes Bienenwachs verwendet wird, um Farbpigmente zu binden und ihre Anwendung auf einer Oberfläche zu erleichtern.

Als Erfindung der griechischen Kunst leitet sich der Name vom griechischen Wort ab, das "eingebrannt" bedeutet.

Die Farbe wird auf die Malfläche aufgetragen (normalerweise eine Holzplatte oder eine Wand), wonach sie erneut erwärmt wird, um die Farbe zu einer einheitlichen emailleartigen Oberfläche zu verschmelzen. Alte Künstler trugen die Farbe mit Pinseln und Spateln auf, um das Bild zu erstellen. Nach der Fertigstellung hielten sie eine brennende Fackel über die Oberfläche des Gemäldes, um das Wachs wieder zu erhitzen, wodurch es dauerhaft mit den Pigmenten und mit der Platte / Wand verschmolz.

Heutzutage werden Wärmelampen, Heißluftpistolen oder sogar elektrische Bügeleisen verwendet, um den gleichen Effekt zu erzielen. Diese modernen Werkzeuge geben dem Maler mehr Zeit, um mit dem Material zu arbeiten. Das einfachste Enkaustikrezept besteht darin, dem Bienenwachs Pigmente zuzusetzen, es können jedoch auch andere Arten von Wachsen und Harzen verwendet werden.

Ein künstliches Harz, das immer beliebter bei avantgardistischen Bildhauern wird, die gerne mit neuen, äußerst haltbaren Materialien experimentieren. Viele Epoxidharze sind gefärbt und wurden Ende der 1940er und Anfang der 1950er Jahre für industrielle Formprodukte entwickelt. Auch Gemälde werden mehr und mehr mit einer Epoxidschicht überzogen, was den Gemälden ein superglattes, künstliches und hypermodernes Aussehen gibt.

Estompen gehören zu den Zeichenmaterialien. Es sind Papierwischer zum Verreiben oder Korrigieren von Pastellkreiden, Blei- oder Kohlestiften.

Auch ungeübten Zeichnern gelingen damit ganz einfach weiche Farbübergänge und Tonwertabstufungen.

Estompen bestehen aus zusammengerolltem Löschpapier und können nach Benutzung gut auf einem Stück Schleifpapier gereinigt und neu angeschliffen werden.

Expressionismus ist eine subjektive Kunstform, in der die Realität für einen emotionalen Effekt zu verzerrt wird.

Der Begriff impliziert oft emotionale Angst und Traumata- die Anzahl fröhlicher expressionistischer Werke ist relativ gering.

In diesem allgemeinen Sinne können Maler wie Matthias Grünewald und El Greco als expressionistisch bezeichnet werden, obwohl der Begriff in der Praxis hauptsächlich auf Werke des 20. Jahrhunderts wie "The Scream" von Edvard Munch angewendet wird.

Pigment zum Auffüllen einer Farbe oder zum Verringern der Farbfestigkeit eines anderen Pigments.

Fabergé-Eier, eine exquisite Form dekorativer Kunst, wurden aus Gold, Silber, Malachit, Jade, Lapislazuli und einer Vielzahl von Diamanten und anderen Edelsteinen im Stil traditioneller Ostereier für den russischen Hof hergestellt.

Als einzigartige Form der Schmuckkunst waren sie die berühmtesten Gegenstände des russischen Hauses Fabergé.

Diese Firma, die 1842 von Gustav Fabergé (1814–1893) gegründet wurde, wurde später von seinem Sohn Peter Carl Fabergé (1846–1920) in "Künstler-Juweliere" umgewandelt.

Dieses Familienunternehmen wurde zum führenden Schmucklieferanten des russischen Romanov-Hofes und als Symbol des Luxus für immer mit seinen kaiserlichen Ostereiern verbunden.

Ein kreisförmiges Gitter, das die Farben basierend auf der Farbtheorie darstellt. Dieses Raster zeigt deutlich die Beziehungen, die Farben zueinander haben (komplementär, entgegengesetzt usw.).

Die Farbtemperatur bezeichnet die Wärme oder Kälte einer Farbe.

Der Name les fauves ("die wilden Tiere") wurde vom Kritiker Louis Vauxcelles geprägt, als er 1905 die Arbeiten von Henri Matisse und André Derain in einer Ausstellung im Salon d'automne in Paris sah. Die Gemälde dieser Künstler waren das Ergebnis eines Sommers in Collioure in Südfrankreich und wurden mit kräftigen, nicht naturalistischen Farben (oft direkt aus der Tube aufgetragen) und wilden, losen Farbtupfern hergestellt. Die Formen der Themen wurden ebenfalls vereinfacht, so dass ihre Arbeit ziemlich abstrakt erscheint.

Andere mit dem Fauvismus verbundene gleichgesinnte Künstler waren Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault und Maurice de Vlaminck.

Die Fauvisten interessierten sich für die im 19. Jahrhundert entwickelten wissenschaftlichen Farbtheorien - insbesondere für Komplementärfarben.

Der Begriff Ferrule kommt aus dem Englischen und bedeutet so viel wie Hülse, Spange, Manschette, Zwinge, Ringbeschlag. So nennt man z.B. die Metallhülse an einem Bleistift, der den kleinen Radiergummi am Ende umschließt. Oder die Metallzwinge am Pinsel, welche die Pinselhaare zusammenhält.

Bei figurativer Kunst handelt es sich um Kunstwerke - insbesondere Gemälde -, die eindeutig aus realen Objektquellen stammen und daher per Definition gegenständlich sind.

Der Begriff "figurative Kunst" wird oft als Kunst verstanden, die die menschliche Figur oder sogar eine tierische Figur darstellt. Das ist sicher oft der Fall, aber figurative Kunst kann z.B. auch eine Landschaft sein und in einem breiteren Umfang alle Kunst umfassen, die nicht abstrakt ist.

Kleines Modell oder Skulptur der menschlichen Figur (z.B. prähistorische Venusfiguren, wie die Venus von Willendorf).

Fixativ ist eine Art flüssiger Lack, der über Zeichnungen gesprüht wird, um sie unempfindlicher zu machen, gegen Verschmieren zu schützen und auch, um sie besser aufbewahren zu können.
Moderne Fixiermittel werden in der Regel auf Alkohol- und Kohlenwasserstoffbasis hergestellt. Einige Hersteller produzieren Fixiermittel nur für ein bestimmtes Medium, z- B. Pastell. Beim Kauf von Fixativen muss man auf die Herstellerhinweise sowie auf die Angaben zu Transparenz, Farblosigkeit, Alters- und UV-Beständigkeit (verhindert Gelbfärbung und Ausbleichung durch Lichteinfall) achten.

Auch wenn Fixativ nicht wirklich giftig ist, sollte man es nur in gut belüfteten Räumen oder im Freien verwenden.

Viele Zeichner bauen ihre Zeichnungen in Schichten (Lasuren) auf, und auch zum Fixieren jeder einzelnen Lasur kommt Fixativ zum Einsatz.

Traditionelle Bauernkunst, zu der zweckmäßige, dekorative und angewandte Kunst und Handwerk gehören.

... ist die Tendenz, auf Kosten des Gegenstands an herkömmlichen Formen festzuhalten.

Der Kunstbegriff Fresco (italienisch für "frisch") beschreibt die Malmethode, bei der Farbpigmente ausschließlich mit Wasser gemischt werden (es wird kein Bindemittel verwendet) und dann direkt auf frisch verlegten Kalkputzgrund (Oberfläche) aufgetragen werden.

Die Oberfläche ist typischerweise eine verputzte Wand oder Decke. Die flüssige Farbe wird vom Putz aufgenommen und beim Trocknen des Putzes bleiben die Pigmente in der Wand zurück. Vor dem Auftragen der Farbe machte der Künstler normalerweise eine vorbereitende Zeichnung (Sinopie) in roter Kreide.

 

 

Die Technik wurde von Max Ernst in Zeichnungen ca. im Jahr 1925 entwickelt.

Frottage ist das französische Wort für Reiben.

Ernst ließ sich von einem alten Holzboden inspirieren, auf dem die Maserung der Bretter durch langjähriges Schrubben hervorgehoben worden war. Die Muster ergaben seltsame Bilder.

Ab 1925 nahm er diese auf, indem er Papierbögen auf den Boden legte und sie dann mit einem weichen Bleistift abrieb.

Die Ergebnisse deuten auf mysteriöse Wälder mit vogelähnlichen Kreaturen hin, und Ernst veröffentlichte 1926 eine Sammlung dieser Zeichnungen mit dem Titel Histoire Naturelle (Naturgeschichte).

Er verwendete eine breite Palette strukturierter Oberflächen und passte die Technik schnell an die Ölmalerei an, die er als Grattage (Scraping) bezeichnete.

Bei der Grattage wird die Leinwand mit einer Schicht oder mehr Farbe vorbereitet und dann über das strukturierte Objekt gelegt, das dann abgekratzt wird. In Ernsts Wald und Taube scheinen die Bäume durch Abkratzen des Rückgrats eines Fisches entstanden zu sein.

Die künstlerische Theorie, dass Form durch Funktion bestimmt werden sollte, insbesondere in der Architektur und in der dekorativen Kunst, und dass dies automatisch Objekte hervorbringt, die ästhetisch ansprechend sind.

Gesso ist eine Kreidegrundierung speziell für Holz, Leinwand oder andere Malgründe.
Der Untergrund wird dadurch etwas stabiler, die Farbe haftet besser, es lassen sich auch kleine Unebenheiten damit ausgleichen und außerdem verhindert man, dass der Bilduntergrund die Farbe sofort einsaugt.

Ein Begriff, der ursprünglich verwendet wurde, um das Gemälde der abstrakten expressionistischen Künstler Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Robert Motherwell, Hans Hofmann und anderer zu beschreiben. Gemeinsam war ihnen das Auftragen von Farbe in freien Gesten mit dem Pinsel.

Giclée-Drucke werden mit modernsten Drucktechniken hergestellt und sind Kunstdrucke von höchster Qualität. Sie werden von Künstlern verwendet, um individuelle oder kleine Reproduktionen von zweidimensionalen Originalkunstwerken, Fotografien, Computergrafiken oder computergenerierten Bildern zu erstellen.

Das Gießen ist ein kreativer Prozess, bei dem ein geschmolzenes Material wie Bronze oder Kunststoff in eine Form eingebracht wird, in der Form abkühlt und dabei aushärtet. Danach wird es aus der Form gelöst oder ausgebrochen.

Die meisten Bronzeskulpturen entstehen auf diese Weise.

Der Arbeitsbereich in Wandmalerei oder Mosaik, der an einem Tag fertig sein könnte. In der Freskenmalerei bezieht es sich auf den Bereich des täglich angewendeten Intonakos. Im wahren Fresko sind normalerweise die Fugen des Giornats sichtbar.

Ein Glaze ist ein sehr dünner, transparenter Farbauftrag, unter dem die darunterliegenden Farbschichten durchscheinen. Wird in der Lasurmalerei verwendet.

Gouache sind Farben, die aus Pigmenten bestehen und die (wie Aquarelle) mit Gummi Arabicum kombiniert sind.

Im Gegensatz zur Aquarellmalerei enthalten Gouache-Farben jedoch Kreide, um sie undurchsichtig und reflektierender zu machen. Man kann Zusatzstoffe (z. B. Acryl, Honig oder Stärke) verwenden, um die Farben langsamer trocknen zu lassen.

Man verdünnt Gouache-Farben mit Wasser (oder flüssigem Kleber, um die Tonalität zu erhalten) und malt damit in der Regel auf auf weißes oder getöntes Papier, Pappe oder Seide.

... zählt zur Angewandten Kunst. Beim Grafik Design geht es darum, Bilder oder Texte so zu formulieren / anzuordnen, um eine Nachricht zu kommunizieren. Es kann in allen Medien wie Print, digitalen Medien, Animationen, Verpackungen und Schildern angewendet werden.

Die Grammatur bezeichnet das Flächengewicht von Papier. Wenn man also z.B. von einem 80g Papier spricht, wiegt ein Bogen dieses Papiers mit einer Fläche von 1m² 80 Gramm. Das Papiergewicht als Flächengewicht macht das Gewicht von Papierbögen mit unterschiedlichen Größen vergleichbar.

Bei dieser Technik wird eine obere Farbschicht teilweise abgekratzt, um die kontrastierende Unterschicht freiuilegen. Künstler des 20. Jahrhunderts wie Max Ernst (1891-1976) haben die Grattage häufig verwendet.

Bei einer Gravur wird ein Design oder ein Bild mit einem Bohrer oder einem scharfen Werkzeug in eine harte, glatte Oberfläche geschnitten.

Der Begriff Grisaille stammt vom französischen Wort gris ab. Mit Grisaille werden heutzutage Bilder in Grautönen bezeichnet (vorwiegend Untermalungen, in denen die Strukturen und Tonwerte des späteren Bildes festgelegt werden).

Grisailles gibt es aber tatsächlich seit der klassischen Antike. Damals schuf man Bilder in Grauwerten, um damit Skulpturen oder Reliefs in Stein zu imitieren (siehe die in Trompe-l’oeil gemalten Reliefs der Tugenden und Laster von Giotto di Bondone in Padua).

Die flämischen Meister haben diese Technik aufgegriffen, perfektioniert und verbreitet.

Bis heute wird die Technik der Grisaille-Untermalung von niederländischen und belgischen realistischen Künstlern verwendet, während diese Technik in Deutschland beinahe unbekannt ist.

Die erste identifizierbare kontinentale Kultur und Kunststil der Kelten (ca. 600-450 v. Chr.). Gefolgt von La Tene Celtic

Art der Performance Kunst. Spontane künstlerische Veranstaltung oder Ausstellung.

bildliche Form des Schreibens, wie sie von den alten Ägyptern verwendet wurde.

Bilder auf die Rückseite von Glasscheiben malen.

Auf diese Weise muss der Künstler sein Bild rückwärts malen, beginnend mit den letzten Strichen seiner obersten Lasur. Also zuerst alle Details und eventuelle Schriftzüge, danach werden alle Objekte ausgemalt und als Letztes wird der Hintergrund angelegt. Auch wird jede Figur, jeder Schriftzug seitenverkehrt gemalt.

Ein solches Gemälde hat eine hohe Beständigkeit und Brillanz, da die Farben hinter dem Glas besonders intensiv wirken.

Hyperrealismus ist die junge Kunstform, Illusionen zu schaffen, indem sie die Realität bereichert. Künstler dieses Genres bringen ihre Arbeiten über die rein fotografische Qualität hinaus, indem sie visuelle, soziale und kulturelle Details des Alltags in den Mittelpunkt stellen. Sie spielen mit Farbintensität, Beleuchtung, Kontrast und Schärfe, um eine lebendigere Darstellung dessen zu erhalten, was wir mit bloßem Auge sehen können. Dies unterscheidet den Hyperrealismus von seinem naturalistischeren Vorgänger, dem Fotorealismus.

Hyperrealistische Künstler wählen typischerweise Zeichnung, Malerei und Skulptur, um eine zusätzliche Dimension der Realität zum Leben zu erwecken. Dank des vermehrten Einsatzes von Technologie in der bildenden Kunst können sie auch digitale Illustrationstechniken oder die Änderung von Bildern, die auf Leinwände oder Formen übertragen wurden, in ihrer Arbeit verwenden.

Insgesamt bietet der Hyperrealismus ein äußerst effektives Mittel, um zu untersuchen, wie wir als Menschen mit uns selbst, untereinander und mit gewöhnlichen Gegenständen aus unserem täglichen Leben umgehen.

In der byzantinischen, griechischen und russisch-orthodoxen Kirchenkunst die Darstellung von Christus oder der Jungfrau oder Heiligen als Mosaik oder Malerei; tendenziell stereotyp oder hieratisch; daher ikonisch.

erkennbare sinnbildliche oder allegorische Motive und Symbole in Kunstwerken

Die Dekoration von Manuskripttexten, die möglicherweise mit der einfachen Hinzufügung von kleinen Ornamenten zum Buch begonnen hat, wobei der allgemeine Teil in Schwarz geschrieben ist.

Daraus entstanden außergewöhnliche Ausarbeitungen, fantastische verwobene Riemenmuster, dekorative Motive, zoomorphe Bilder, Pflanzenformen, Miniaturporträts religiöser Figuren.

Die Illumination war eine der wichtigsten Künste des Mittelalters. Wo immer es Klöster gab, scheint diese Kunst praktiziert worden zu sein.

Ein Mönchsschreiber arbeitete ungefähr sechs Stunden am Tag. Nachdem er fertig war, wurde die Arbeit Korrektur gelesen. Dann gingen die Blätter zu einem Rubrikator, der Titel und Überschriften einfügte, und dann zum Illuminator.

Die älteste bekannte Buchmalerei ist ein ägyptischer Papyrus, das "Buch der Toten". Die Griechen und Römer haben einige Arbeiten produziert, aber nur sehr wenig ist erhalten. Die byzantinischen Manuskripte enthalten einige perfekte Beispiele. Persische Koranausgaben des 14. Jahrhunderts bestehen aus exquisiten, zarten Designs.

Zu den berühmten europäischen Manuskripten gehören das Stundenbuch des Herzogs von Berry, das von den Brüdern Limburg (1410-13) herausgegeben wurde, und das Buch der Kells aus dem 8. Jahrhundert, das sich heute in der Trinity College Library in Dublin befindet. Die Manuskripte wurden auf Pergament gearbeitet, wobei nicht nur Farben, sondern auch Blattgold und andere Metalle, winzige Fragmente von Edelsteinen und Halbedelsteinen sowie Paste verwendet wurden.

Die Verwendung optischer und perspektivischer Prinzipien, um die Illusion von dreidimensionalen gemalten Objekten zu erzeugen; daher illusionistisch, illusionistisch.

Impasto ist eine Technik in der Malerei, bei der die Farbe so dick auf die Leinwand aufgetragen wird, dass die Pinselstriche sichtbar bleiben.
Das Wort pastos kommt aus dem Italienischen und bedeutet so viel wie “Teig” oder “Gemisch”, das Verb “impastare” übersetzt man mit “kneten” oder “einfügen”.
Für Impastos eignet sich am besten Ölfarbe (aufgrund der Dicke der Farben und der langsameren Trocknungszeit).

Fällt in die Gruppe der Untermalungen. Als Imprimitura wird die erste dünne Farbschicht auf einem Gemälde bezeichnet. Bilder, auf denen bereits eine erste Farbschicht liegt, lassen sich besser malen, die Farbe zieht nicht so schnell in den Untergrund. Außerdem wird damit die Vorzeichnung auf der Leinwand fixiert.

Dekoration durch Schneiden in eine Oberfläche, verwendet zum Gravieren, Ätzen, Edelsteinschnitzen

Dekoration von Holz mit Einlegearbeiten, insbesondere im Italien des 15. Jahrhunderts.

Ein Stil der Genre-Malerei, der von niederländischen Realisten des späten 17. Jahrhunderts perfektioniert wurde; später von dänischen Künstlern wie Peter Vilhelm Ilsted (1861-33) und Vilhelm Hammershoi (1864-1916) wieder aufgegriffen.

Der Jugendstil ist eine internationale Kunstbewegung. Der Name Jugendstil stammt ursprünglich aus Frankreich. Dort eröffnete S. Bing 1895 ein Geschäft für modernes Design in Paris, L'Art Nouveau (die neue Kunst).

Der Stil entstand jedoch schon mehr als ein Jahrzehnt zuvor und hatte verschiedene Namen in verschiedenen Ländern: "Jugendstil" in Deutschland; "Stile Liberty" in Italien; 'Modernista' in Spanien und 'Sezessionstil' in Österreich.

Repräsentative französische Künstler wie Pierre Bonnard, Edvard Munch und Henri Toulouse-Lautrec stützten sich auf frühere Stile wie Rokoko, Gotik und Oriental.

Merkmale des Jugendstils sind dekorative Elemente, insbesondere gewundenen Ranken und geschwungene, oft wirbelnde Formen, die auf fließenden organischen Formen basieren.

Eine Unterart der "Gefundenen Kunst", typischerweise Skulptur oder Assemblage, manchmal auch "Funk Art" oder "Trash Art" genannt.

Kalligraphie, die Kunst der schönen Handschrift.

Der Begriff ist wahrscheinlich von den griechischen Wörtern für "Schönheit" (Kallos) und "Schreiben" (Graphein) abgeleitet. Kalligraphie setzt eine sichere Kenntnis der richtigen Form von Buchstaben voraus und die Fähigkeit, diese Buchstaben und Zeichen so wiederzugeben, dass ein sachkundiges Auge eine Komposition erkennt. Kalligraphische Arbeiten müssen als Kunst nicht im üblichen Sinne des Wortes lesbar sein.

Im Nahen Osten und in Ostasien ist die Kalligraphie bis heute eine bedeutende Kunstform, die der Bildhauerei oder der Malerei gleichkommt.

In der westlichen Kultur haben die einfacheren griechischen und lateinischen Alphabete und die Alphabetisierung dazu geführt, dass Handschrift im Prinzip eine Kunst ist, die jeder praktizieren kann.

Nach der Einführung des Drucks in Europa Mitte des 15. Jahrhunderts ergab sich jedoch eine klare Unterscheidung zwischen Handschrift und ausgefeilteren Formen von Skripten und Schriftzügen. Tatsächlich kamen gegen Ende des 16. Jahrhunderts neue Wörter mit der Bedeutung „Kalligraphie“ in die meisten europäischen Sprachen, und auf Englisch tauchte das Wort Kalligraphie erst 1613 auf. Das Schreiben von Büchern vom 16. Jahrhundert bis heute unterscheidet weiterhin zwischen gewöhnlicher Handschrift und der dekorativeren Kalligraphie.

Kalligraphie ist nicht genau dasselbe wie „Lettering“.
Lettering ist eigentlich komplexer als die Kalligraphie: Hier geht es nicht nur um Buchstaben, sondern um eine Kombination aus Typografie, Plakatmalerei, Graffiti, Grafikdesign und vielen andere Disziplinen.

Lettering und Kalligraphie sind daher zwei verschiedene Disziplinen.

Lettering kann eine wunderbar ausgeführte Schreibtechnik sein, ohne ein individuelles Kunstwerk sein zu müssen (was die Kalligraphie anstrebt). Andererseits kann die chinesische Kalligraphie (zum Beispiel) die schönste Kunst sein, aber sie beinhaltet keinerlei Buchstaben.

Es gibt eine große Überschneidung zwischen Kalligraphie und Lettering. Aber ihre Zwecke sind nicht die gleichen.

Keramik entsteht durch Erhitzen von Ton bei sehr hohen Temperaturen in einem Ofen. Aus Keramik können sowohl Porzellan, Steingut und Skulpturen sein.

am häufigsten Skulpturen (z. B. Mobiles), die sich bewegen und somit optische Effekte erzeugen sollen. Die ersten kinetischen Kunstwerke wurden in den 1920er Jahren kreiert, aber richtig etabliert war diese Kunstbewegung erst ab 1950.

massenproduzierte vulgäre Handwerksartikel, wie sie für Souvenirs hergestellt werden. Das Wort ist mittlerweile zu einem abwertenden Begriff für alles geworden, was als geschmacklos angesehen wird.

Der Begriff bezieht sich insbesondere auf die Art von Kunst, die im 18. und 19. Jahrhundert das Gegenteil der Romantik war.

Bei der Romantik liegt der Schwerpunkt auf dem dramatischen individuellen Ausdruck, beim Klassizismus jedoch werden die Tugenden der Zurückhaltung und Harmonie dargestellt.

Unter Komposition versteht man das Planen, Platzieren oder Anordnen von Elementen und Formen, hellen und dunklen Bereichen in einem Bild.

Eine Kunstbewegung, die ihre Anfänge 1914 in Russland nahm und sich an Collagen orientierte.

In der Konzeptkunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt der Arbeit. Wenn ein Künstler eine konzeptuelle Kunstform verwendet, bedeutet dies, dass alle Planungen und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist.

Geflecht von Rissen, das manchmal auf Farbe und Lack eines Ölgemäldes auftritt, wenn die Farbe altert und sich absetzt. Auch als Craquelure bekannt.

Ein Krakelee kann auch durch Krakelee-Malmittel künstlich erzeugt werden und wird daher oft in der modernen Malerei als Stilmittel und Bildelement eingesetzt.

Der gebräuchliche Name für Kalziumkarbonat, das weltweit als natürliche Lagerstätte vorkommt und aus den Überresten winziger Krebstiere besteht. Traditionell zum Malen und Zeichnen verwendet.

Der Kubismus entwickelte sich zwischen 1907 und 1914 in Frankreich zu einer kurzen, aber sehr bedeutenden künstlerischen Bewegung.

In kubistischen Kunstwerken werden Objekte in abstrahierter Form aufgebrochen, analysiert und wieder zusammengesetzt. Anstatt Objekte von einem Standpunkt aus darzustellen, zeigt der Künstler das Subjekt aus einer Vielzahl von Gesichtspunkten, um das Subjekt in einem größeren Kontext darzustellen.

Oft schneiden sich die Oberflächen in scheinbar zufälligen Winkeln und zeigen kein kohärentes Tiefengefühl.

Die Hintergrund- und Objektebenen durchdringen sich gegenseitig, um den für den Kubismus charakteristischen mehrdeutigen flachen Raum zu erzeugen.

Gegenstände (Holz, Bambus, Metall und andere Materialien), die mit einer harzartigen dekorativen Oberfläche beschichtet sind. Spezialität der chinesischen Kunst.

Komposition, bei der eine Landschaft das Hauptthema ist. Auch: landschaftliche Bereiche eines Gemäldes oder einer Zeichnung

ist ein tiefblauer Halbedelstein, der für Schmuck verwendet wird und aus dem das Pigment Ultramarin gewonnen wird.

Lasurpinsel (Mops) gibt es in einer Vielzahl von Haartypen und -stilen. Diese Pinsel werden vorwiegend zum Verblenden von einzelnen Farbaufträgen verwendet. Sie bestehen meist aus Echthaar (Eichhörnchenfell), sind sehr dicht gefasst und sehr weich. Dadurch hinterlassen sie so gut wie keine sichtbaren Pinselspuren.

Druck hergestellt durch Schnitzen eines Designs in einen Linoleumblock.

In der bildenden Kunst kommt der Begriff Lithographie aus dem Griechischen und bedeutet "Schreiben mit Stein". Die Technik wurde 1798 von dem Deutschen Alois Senefelder (1771-1834) erfunden, um Text, insbesondere seine eigenen Stücke, zu drucken.

Die Lithographie ist eine beliebte planographische Technik (Oberflächendruck), die auf der Unmischbarkeit (chemischen Abstoßung von) Öl und Wasser basiert. Senefelder patentierte das Verfahren 1798 und seine erste Veröffentlichung war eine Reihe von Zeichnungen des Schweizer Naturforschers Conrad Gessner (1516-65) in London im Jahr 1799.

Der lithografische Prozess wurde bis 1818 streng geheim gehalten, als Alois Senefelder das "Vollständige Lehrbuch der Steindruckerey" veröffentlichte.

Eine moderne Variante ist die Fotolithografie, bei der fotografische Verfahren eingesetzt werden, um das Bild auf Metallplatten aufzunehmen.

Der grundlegende lithografische Prozess

Bei diesem Druckprozess zeichnet der Künstler das gewünschte Bild mit einem fettigen Litho-Wachsmalstift oder einer fettigen schwarzen Tinte (Tusche) auf eine flache Steinoberfläche. Kalkstein ist normalerweise die bevorzugte Oberfläche, aber hin und wieder werden auch Zink- und Aluminiumplatten verwendet.
Wenn das Zeichnen abgeschlossen ist, wird die Platte mit einer Ätzung (einer schweren sirupartigen Mischung aus Gummi arabicum und einer kleinen Menge Salpetersäure) "fixiert", um zu verhindern, dass sich das Fett ausbreitet. Zusätzlich öffnet die Salpetersäure die Poren des Steins, so dass Gummi und Fett leicht eindringen können.
Das Gummi arabicum versiegelt die fettigen Bereiche gegen das beim Drucken aufgebrachte Wasser. Aufgrund der gegenseitigen Abstoßung von Fett und Wasser zieht das Bild die ölige Tinte an, stößt jedoch Wasser ab. Wenn die Oberfläche angefeuchtet und eingefärbt wird, haftet die Tinte an der fettigen Zeichnung und nicht am nassen Stein und wird perfekt auf Papier übertragen. In der Tat ist die Lithographie für ihre Fähigkeit bekannt, feine Details und subtile Unterschiede in der Schattierung zu erfassen.

Methode zur Erzeugung der Illusion von Tiefe und Weite in einem Gemälde oder einer Zeichnung durch Modulation der Farbe.

Je weiter sich Teile einer Landschaft vom Betrachter entfernt befinden, desto blasser werden sie. Dunkle Objekte erscheinen blassblau. Zum Beispiel haben ferne Berge einen bläulichen Schimmer.

Das liegt am Vorhandensein von Feuchtigkeit und winzigen Staubpartikeln in der Atmosphäre: sie verursachen eine Streuung des Lichts.

Der Manierismus ist ein künstlerischer Stil und eine Bewegung, die sich in Europa von den späten Jahren der Hochrenaissance um 1520 bis zum Ende des 16. Jahrhunderts entwickelte. Er war eine Reaktion auf den harmonischen Klassizismus und Naturalismus der Renaissance.

Während die Kunst der Hochrenaissance Proportionen, Ausgewogenheit und klassische Schönheit betonte, neigte der Manierismus dazu, diese Eigenschaften mit Gemälden zu übertreiben, die asymmetrische oder unnatürlich elegante Kompositionen darstellen. Der Manierismus, der die kompositorische Spannung und Instabilität mit seiner Künstlichkeit und Raffinesse (die die Hauptmerkmale der Bewegung sind) begünstigt, bildet eine Brücke zwischen dem idealisierten Stil der Kunst der Renaissance und der dramatischen Theatralik des Barock.

Das Wort Manierismus leitet sich vom italienischen Begriff „Maniera“ ab, das Art oder Stil bedeutet. Zu Beginn sollte dieser Begriff auf einen Stil hinweisen, der sich in Rom und Florenz nach dem Werk der großen Meister der Hochrenaissance entwickelte und die künstlerische Virtuosität des Malers betonte.

Im Laufe der Jahrhunderte wurde die Bedeutung des Wortes "Maniera" jedoch etwas abgewandelt, um nicht nur die Virtuosität in der Malerei zu demonstrieren, sondern das Übermaß dieser Virtuosität; die technische Künstlichkeit der Komposition und die übertriebene Darstellung intensiver Stimmungen und Themen.

Manierismusmaler hörten auf, die Natur als Hauptmodell der Kunst zu betrachten, ähnlich wie die Künstler der Renaissance und ihre humanistischen Ideale.

Manieristische Gemälde präsentieren Kompositionen, die keine Perspektive oder Proportionen haben, der Raum ist unregelmäßig und Figuren zeichnen sich durch elastische Dehnung der Gliedmaßen, kleinen Kopf und Strecken des stilisierten Gesichts aus. Ihre Posen wirken schwierig und künstlich. Im Gegensatz zu den ausgewogenen, natürlichen und dramatischen Farben der Hochrenaissance sind Manierismus-Kompositionen mit kontrastierenden und intensiven Farben angereichert. Diese Intensität des Manierismus mit seiner intellektuellen Ästhetik und seinem Experimentieren in Formen entwickelte sich zu einem attraktiven Stil, der an die modernen expressionistischen Tendenzen in der Kunst erinnert.

Der Manierismus entwickelte sich in Italien und prägte den Stil mehrerer italienischer Maler, die in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts tätig waren, wie Pontormo, Tintoretto und Giulio Romano. 1530 verbreitete sich der Manierismus außerhalb Italiens, als Rosso Fiorentino den Stil nach Frankreich brachte. Von diesem Moment an verbreitete sich der Manierismus in ganz Mittel- und Nordeuropa. Mehrere nordische Maler wie Hendrik Goltzius und Hans von Aachen kamen nach Rom, um den Manierismusstil zu studieren und zu praktizieren. Dank seiner hohen internationalen Popularität hielt der Manierismus das ganze Jahrhundert an, bis Caravaggio und seine Gemälde 1600 diesen problematischen Stil beendeten und zum Aufstieg des Barock führten.

Modell in kleinem Maßstab von einem Bildhauer oder Bühnenbildner als vorläufige dreidimensionale "Skizze" für die endgültige Arbeit.

Bild oder Zeichnung eines Meeresmotivs.

1. die Mittel oder Materialien, mit denen sich ein Künstler ausdrückt.
2. Beim Malen ist das Medium die Flüssigkeit, in der das Pigment gemischt und verdünnt wird, z. Leinöl.

Ursprünglich eine Testarbeit des mittelalterlichen Lehrlings, um sich als Meister seiner Gilde zu qualifizieren. Der Begriff wird inzwischen etwas anders verwendet. Ein Meisterwerk ist heite eine Arbeit von herausragender Bedeutung oder Qualität.

Der Begriff selbst weist auf seine Bedeutung hin; auf Italienisch bedeutet Mezzo "halb" und Tinta "Ton". Mezzotinta ist eine Form der Druckgrafik, die Halbtöne oder eine subtile Schattierung der Dunkelheit in Drucken erzeugt.

Mezzotinta verwendet weiche Abstufungen in Licht und Schatten anstelle von Linien, um Bilder zu erzeugen. Die durch Mezzotinta erzeugten Bilder entstehen aus einem Prozess, der mit Dunkelheit beginnt und sich zu Licht entwickelt. Um diesen Druck zu erstellen, bearbeitet der Künstler eine Kupferplatte mit einer Wippe (einem breiten halbkreisförmigen Meißel, der für Mezzotint spezifisch ist), um die Metalloberfläche aufzurauen. Sobald die gesamte Metalloberfläche aufgeraut ist, kann die Textur der Oberfläche Tinte auffangen. Wenn in diesem Zustand gedruckt würde, würde die eingefärbte Platte einen festen schwarzen Druck erzeugen. Als nächstes muss die Platte in Bereichen abgekratzt und poliert werden, die weniger Tinte enthalten sollen, um die helleren Farbtöne für das Druckdesign zu erzielen. Nachdem das Design abgekratzt und in die Platte poliert wurde, übertragen die Künstler das Design, indem sie es durch eine Tiefdruckmaschine laufen lassen. Das Drucken durch Mezzotinta ist aufgrund der Zerbrechlichkeit der Platte eine besonders mühsame und kostspielige Form des Druckens. Die Textur der aufgerauten Platten verschlechtert sich durch wiederholtes Drucken schnell, und jede Platte kann nur eine geringe Anzahl von Qualitätsabdrücken liefern.

... ist ein Begriff, der eher die künstlerische Nachahmung der Natur als ihre Interpretation beschreibt: mit anderen Worten das Zeigen von Dingen im Gegensatz zum Erzählen von Dingen.

Moderne Kunst, die Textur, Motiv, Atmosphäre usw. ablehnt und Formen und Farben auf das Einfachste reduziert.

Kombination verschiedener Materialien in derselben Arbeit

Kirchenarchitektur, illuminierte Manuskripte, Steinskulpturen, Wandgemälde, Metallarbeiten und Goldschmiedekunst aus der Zeit des Mittelalters (ca. 450-1450).

Ein Mobile ist eine kinetische Skulptur und wurde wahrscheinlich von Alexander Calder im Jahr 1932 erfunden. Die Skulptur wird an Drähten aufgehängt, so dass sie von Luftströmungen bewegt wird.

Eine Form des Body Paintings.

Die Arbeit, der Stil oder die Kunst von ungelernten Künstlern, normalerweise grob naturalistisch und kindlich.

Genaue, detaillierte Darstellung von Objekten oder Szenen, wie sie erscheinen, ob attraktiv oder auf andere Weise. (Vergleiche Realismus).

Ein Objet trouvé ist ein gefundener Gegenstand, der seiner natürlichen Umgebung entrissen und zu einem Kunstwerk oder einem Teil davon erhoben wird.

Lithografietechnik, bei der Tinte von einer Platte auf eine Gummiwalze und dann auf das Papier übertragen wird.

Es gibt verschiedene Arten von Öl, die von Ölmalern als Bindemittel und Trocknungsmittel (Öl plus Pigment trocknet durch einen Oxidationsprozess durch Absorption von Luftsauerstoff) verwendet werden.

Leinöl aus Leinsamen verleiht Farben Glanz und Transparenz und trocknet sehr gründlich (innerhalb von 3-5 Tagen), wodurch es sich ideal zum Untermalen eignet.

Standöl ist eine dickere Art von Leinöl mit einer langsameren Trocknungszeit (7 bis 14 Tage), das häufig mit (z. B.) Terpentin verdünnt und zum Glasieren verwendet wird, um ein glattes, emailleartiges Finish mit minimalen Spuren von Pinselspuren zu erzielen .

Mohnöl, viel blasser, transparenter und weniger gelb als Leinsamen, wird häufig für weiße oder hellere Farben verwendet. Das Trocknen von Mohnöl dauert länger als das von Leinöl (5-7 Tage), daher eignet es sich perfekt zum Arbeiten von nass in nass.

Walnussöl ist ein dünnes, hellgelbbraunes Öl (trocknet in 4-5 Tagen), das üblicherweise verwendet wird, um Ölfarbe flüssiger zu machen.

Bei der Ölmalerei werden Pigmente mit Ölen aus Leinsamen, Walnuss oder Mohn gemischt. Aufgrund seiner Detailbrillanz, seiner satten Farbe und seines breiteren Tonumfangs ist diese alte Maltechnik bis heute beliebt.
Im 15. Jahrhundert in Nordeuropa populär gemacht (dessen Klima keine Fresken begünstigte), gehörten (in Holland) Hubert und Jan Van Eyck sowie (in Italien) Leonardo Da Vinci zu den wichtigsten Pionieren der Ölmaltechnik

... ist die Kunst des Papierfaltens, die häufig mit der japanischen Kultur in Verbindung gebracht wird.

Die chinesische Version, die als "Zhezhi" bekannt ist und um 1600 in Japan erfunden wurde, ist möglicherweise älter.

 

 

 

Paneele sind eigentlich Holztafeln und waren bis zur Erfindung der Leinwand im 15. Jahrhundert weit verbreitet. In Flandern, Holland, Frankreich und England waren Eichenplatten am beliebtesten; in Deutschland und Österreich wurden Eiche, Buche, Limette, Kastanie und Kirschholz verwendet. In Italien nahm man auch Pappelholz.

Auch heute noch werden Paneele von zumeist hyperrealistischen Künstlern verwendet, denn der Vorteil von Paneelen ist ihre extrem glatte Oberfläche, die sie ideal zum Malen feiner Details machen.

Gemälde einer Ansicht oder Landschaft. Besonders großformatige Malerei in einem Raum oder auf einen Zylinder gerollt.

Stift aus Pigment, das mit Gummiarabikum und Wasser gemischt und in eine stäbchenförmige Form gepresst wurde, oder Arbeiten, die in diesem Medium ausgeführt wurden. Da Pastellfarben leicht und kreidig sind, wird das Wort auch verwendet, um blasse, helle Farben zu beschreiben.

Idealisierte Landschaft oder Szene.

kleine Modelle als Vorentwurf zu größeren Modellen bei der Herstellung von Skulpturen.

Ein Begriff, der sich auf die "Tiefe" eines Bildes bezieht, dh die Illusion eines dreidimensionalen Raums auf der zweidimensionalen Oberfläche des Bildes, wobei Formen im Hintergrund kleiner erscheinen als Formen im Vordergrund.

Das "Einzelpunkt" - oder lineare Perspektivensystem wurde von Filippo Brunelleschi (1377-1446) in Florenz in Bezug auf seine Architektur entwickelt. Mathematisch so konstruiert, dass alle zurückgehenden parallelen Linien zueinander zu konvergieren scheinen und sich schließlich an einem einzigen Punkt (dem Fluchtpunkt) treffen, wurde diese Perspektivmethode von Künstlern ab dem frühen 15. Jahrhundert angewendet.

Seltsamerweise entwickelten niederländische und flämische Maler des frühen 15. Jahrhunderts ihre eigene unabhängige Perspektivmethode

In der Kunst bezieht sich der Begriff "Verkürzung" auf ein Verfahren zum Darstellen eines Objekts in einem Bild in der Tiefe.

Stelle Dir zum Beispiel vor, wie ein stehender Mann von vorne gesehen in Bezug auf die Abmessungen aussieht. Stelle Dir nun vor, dass diese Figur sanft nach hinten fällt, bis sie sich in Längsrichtung auf den Boden streckt und mit den Füßen auf Dich zeigt.

Wenn Du diese Figur skizzieren möchtest, schreibt das Gesetz der linearen Perspektive vor, dass Du sie kleiner erscheinen lassen musst, da der Kopf des Mannes weiter entfernt ist als seine Füße, um die Illusion der 'Tiefe' in der Zeichnung zu vermitteln. Am wichtigsten ist, dass Rumpf und Gliedmaßen der Figur in der Skizze zusammengedrückt oder gekürzt werden, um die optische Täuschung zu verstärken, dass ein Objekt kürzer erscheint, als es tatsächlich ist, wenn es in Richtung des Betrachters geneigt ist.

Die Verkürzung wurde zum ersten Mal während des Quattrocento (15. Jahrhundert) von Malern in Florenz und von Francesco Squarcione (1395-1468) in Padua studiert, der dann den berühmten mantuanischen Hofkünstler Andrea Mantegna (1431-1506) unterrichtete.

nennt man die indianische Kunst, die von den Stämmen der Sioux, Commanche und Blackfeet in den westlichen Ebenen der Vereinigten Staaten praktiziert wird.

Plein Air ist ein französischer Ausdruck, der "unter freiem Himmel" bedeutet. Auf die Kunst übertragen: man malt oder zeichnet nicht im Atelier o.ä., sondern draußen in der Natur.

Vielgestaltiges Kunstwerk. Das Erscheinungsbild der Arbeit ändert sich je nach Position des Betrachters.

Gemälde (oftmals ein Altarbild), bestehend aus mehr als 3 Teilen (siehe auch Diptychon, Triptychon).

Pop Art entstand in den 1950er Jahren in England und Amerika.

Die 1950er Jahre waren hauptsächlich Jahre des abstrakten Expressionismus. Die Pop Art widersetzte sich dieser unzugänglichen Kunstform. Pop Art wollte eine Art "Street Art" schaffen, die für jedermann zugänglich ist. Oft ist daher keine Botschaft in einem Pop-Art-Werk enthalten. Zugängliche Dinge wurden auch in den Werken dargestellt.
Die Künstler wurden von den Medien inspiriert. In den Bildern sind deshalb oft berühmte Personen, Comics und Werbespots zu sehen. Auch Produkte aus dem Supermarkt wurden auf Leinwand verewigt.

Die allerersten Pop-Art-Künstler waren daher Werbegrafiker. Sie präsentierten das zu vermarktende Produkt in einem extrem vergrößerten oder vergrößerten Bild.

Rot, Blau und Gelb: die Farben, die gemischt werden können, um andere Farben zu erzeugen, aber nicht selbst aus Mischungen hergestellt werden können.

Gemälde und Zeichnungen von Menschen außerhalb des Einflusses traditioneller westlicher Stile. Außerdem: Arbeiten von intuitiven Malern oder Bildhauern mit einem "naiven" Stil, der häufig auf mangelnde formale Kunstausbildung zurückzuführen ist.

Der Begriff "primitive Kunst" ist eine eher vage (und unvermeidlich ethnozentrische) Beschreibung, die sich auf die kulturellen Artefakte "primitiver" Völker bezieht - dh auf jene ethnischen Gruppen, die nach westlichen Maßstäben einen relativ niedrigen Standard der technologischen Entwicklung aufweisen.

Es umfasst afrikanische Kunst (südlich der Sahara), ozeanische Kunst (pazifische Inseln), Kunst der Aborigines (Australien) sowie andere Arten von Felskunst aus der Vorgeschichte sowie Stammeskunst aus (z. B.) Amerika und Südostasien. Der Begriff der "primitiven" Menschen stammt aus dem Zeitalter der Entdeckung (um 1500) und ist weitgehend (wenn auch nicht ausschließlich) mit einer christlich-kaukasischen Weltanschauung verbunden.

Man sollte jedoch beachten, dass der Begriff "primitive Kunst" normalerweise nicht verwendet wird, um chinesische, indische oder islamische Kunstwerke oder Werke aus einer der Hauptkulturen einschließlich ägyptischer, griechischer oder römischer Zivilisationen zu beschreiben.

Deckenwandbilder des Trompe l'oeil, die die architektonischen Merkmale über den tatsächlichen Raum hinaus zu erweitern scheinen.

Italienisch für das 15. Jahrhundert. Als Quattrocento bezeichnet man die Epoche der Renaissance in der italienischen Kunst (1400-1500).

Mitte des 19. Jahrhunderts entstand in Europa ein neuer Kunststil: der Realismus. Diese Kunstbewegung zeichnete sich durch eine beispiellose Aufmerksamkeit für alltägliche Themen aus und veränderte die westliche Kunstwelt.

Zum ersten Mal in der Geschichte der Kunst führte diese Bewegung die Darstellung von Durchschnittsbürgern, Arbeitern, zeitgenössischen Schauplätzen und alltäglichen Szenen als würdige künstlerische Themen ein.

Gustave Courbet wird oft als die führende Figur des Realismus angesehen. Er legte den Grundstein für die Bewegung in den 1840er Jahren, als er begann, Bauern und Arbeiter in großem Maßstab darzustellen, die typischerweise religiösen, historischen oder allegorischen Themen vorbehalten waren. (Siehe auch > Naturalismus)

In den zweihundert Jahren zwischen 1400 und 1600 erlebte Europa eine erstaunliche Wiederbelebung der Zeichnung, Malerei, Skulptur und Architektur in Italien, die wir heute als Renaissance (rinascimento) bezeichnen.

In sehr einfachen Worten stellte die italienische Renaissance die westliche Kunst nach den Prinzipien der klassischen griechischen Kunst wieder her, insbesondere nach der griechischen Skulptur und Malerei.

Ab dem frühen 14. Jahrhundert ließen sich italienische Künstler und Denker auf der Suche nach neuen künstlerischen Werten und einer Antwort auf den höfischen Stil der internationalen Gotik von den Ideen und Formen des antiken Griechenlands und Roms inspirieren. Dies stimmte perfekt mit ihrem Wunsch überein, eine universelle, sogar edle Kunstform zu schaffen, die die neue und selbstbewusstere Stimmung der Zeit ausdrücken konnte.

Vor allem die Kunst der Renaissance wurde von dem neuen Begriff des "Humanismus" angetrieben, einer Philosophie, die die Grundlage für viele der Errungenschaften (z. B. Demokratie) des heidnischen antiken Griechenlands war. Der Humanismus spielte das religiöse und weltliche Dogma herunter und legte stattdessen größten Wert auf die Würde und den Wert des Einzelnen.

In der bildenden Kunst stand der Humanismus für (1) die Entstehung der einzelnen Figur anstelle von stereotypen oder symbolischen Figuren. (2) Größerer Realismus und konsequente Liebe zum Detail, was sich in der Entwicklung der linearen Perspektive und dem zunehmenden Realismus menschlicher Gesichter und Körper widerspiegelt; Dieser neue Ansatz erklärt, warum die klassische Skulptur so verehrt wurde und warum die byzantinische Kunst aus der Mode kam. (3) Betonung und Förderung tugendhaften Handelns.

In Nordeuropa war die Renaissance durch Fortschritte bei der Darstellung des Lichts durch den Raum und seiner Reflexion von verschiedenen Oberflächen gekennzeichnet. und (am sichtbarsten) bei der Erreichung des höchsten Realismus in Staffelei-Porträt und Stillleben. Dies war teilweise auf die Tatsache zurückzuführen, dass die meisten Künstler der nördlichen Renaissance im frühen 15. Jahrhundert Ölfarben verwendeten, anstatt Tempera oder Fresken, die (aus klimatischen und anderen Gründen) in Italien immer noch die bevorzugten Malmethoden waren. Das Ölgemälde ermöglichte kräftigere Farben und konnte aufgrund seiner längeren Trocknungszeit viele Wochen lang überarbeitet werden, um feinere Details und mehr Realismus zu erzielen. Die Öle breiteten sich schnell nach Italien aus: zuerst nach Venedig, dessen feuchtes Klima weniger für Tempera geeignet war, dann nach Florenz und Rom.

Eine Methode zum Erstellen oder Verbessern der Perspektive in einem Gemälde, beispielsweise durch Platzieren einer großen Figur odert eines großen Objekts im Vordergrund.

Solche Repoussoir-Figuren waren gemeinsame Merkmale der niederländischen Figurenmalerei des 17. Jahrhunderts.

Niederländische realistische Landschaftskünstler nutzten oft die dramatische Wirkung von Repoussoir, um ihre Bilder der flachen und spannungslosen niederländischen Landschaft zu beleben.

Bei säurefreiem Papier wird bei der Herstellung auf freie Säuren und freie Chloride verzichtet, wodurch das Papier alterungsbeständiger wird und nicht so schnell vergilbt wie säurehaltiges Papier.

Zeichentechnik, bei der eng beieinander liegende parallele Linien verwendet werden, um getönte Bereiche anzuzeigen. Wenn diese von anderen Linien in die entgegengesetzte Richtung gekreuzt wird, spricht man von Schraffur.

Scumbling ist eine Maltechnik, bei der eine dünne Farbschicht mit einem trockenen Pinsel und einer losen Hand auf eine bereits vorhandene Farbschicht aufgetragen wird. Die Idee ist, Teile der bereits vorhandenen Farbe darunter freiliegen zu lassen.

In den meisten Fällen ist die unterliegende Farbschicht trocken, man kann es aber auch über nasser Farbe anwenden. Man muss nur vorsichtig sein, damit die Farben nicht verschmelzen, wenn man über die nasse Farbe malt.

Es wird am häufigsten als Ölmaltechnik angesehen, kann aber auch mit Acryl- oder Aquarellfarben verwendet werden.

In der bildenden Kunst bezieht sich der Begriff "sfumato" (abgeleitet vom italienischen Wort fumo, was "Rauch" bedeutet) auf die Technik der Ölmalerei, bei der Farben oder Töne so subtil miteinander vermischt werden, dass sie ohne wahrnehmbare Übergänge miteinander verschmelzen, ohne Linien oder Kanten.

Leonardo da Vinci (1452-1519) selbst beschrieb Sfumato als eine Mischung von Farben "ohne Linien oder Grenzen, eine Art von Rauch".

Es ist, als wäre ein Rauchschleier zwischen das Gemälde und den Betrachter gelegt worden, der die hellen Bereiche abschwächt und die dunklen aufhellt, um einen weichen, nicht wahrnehmbaren Übergang zwischen den verschiedenen Tönen zu erzeugen.

Beim Sfumato werden viele durchscheinende Lasuren verwendet, um ein allmähliches Tonspektrum von dunkel bis hell zu erzeugen. Es wird als einer von vier Malmodi der Renaissancekunst klassifiziert, die anderen sind Unione, Cangiante und Chiaroscuro.

Sgraffito bedeutet Kratzer. Beim Malen wird eine Farbe über eine andere gelegt und mit einem Werkzeug zerkratzt, damit die zugrunde liegende Farbe sichtbar wird.

Eine Zeichenmethode unter Verwendung eines Metallstücks, normalerweise Silberdraht, das auf einem mit chinesischem Weiß vorbereiteten Untergrund gezeichnet wird, manchmal mit Pigmentzusatz.

Freistehende Skulptur, lebensgroß.

... ist ein gängiges Keramikmaterial, das häufig für Töpfergeschirr und Dekorationsgegenstände verwendet wird. Steingut ist Ton, der bei niedrigsten Temperaturen in einem Ofen gebrannt wurde.

Als eines der Hauptgenres der westlichen Kunst beschreibt es eine Art Malerei mit leblosen Alltagsgegenständen.

Es gibt vier Arten:

(1) Blumenstücke
(2) Frühstücks- oder Bankettstücke
(3) Tierstücke
(4) symbolische Stillleben.

Stippling ist der englische Begriff für die Pointillismus - Schraffur beim Zeichnen.

... ist eine Malmethode, bei der Pigmente mit einer Emulsion aus Wasser und Eigelb oder ganzen Eiern (plus manchmal Kleber oder Milch) kombiniert werden. In der italienischen Kunst im 14. und 15. Jahrhundert weit verbreitet, sowohl für Tafelmalerei als auch für Fresken, wurde sie dann durch Ölfarbe ersetzt.

Stil in der Malerei des 17. Jahrhunderts in Verbindung mit Caravaggio unter starker Verwendung von starkem Helldunkel.

Als tote Farben bezeichnet man Farben, die in Untermalungen verwendet werden, zum Beispiel bei der Flämischen Untermalung.

Als Trecento (italienisch für 13. Jahrhundert) bezeichnet man die Kunstepoche von 1300 - 1400 in der italienischen Kunst.

Bild oder Schnitzerei in drei Teilen; eine für Altarbilder übliche Form des Polyptychons.

Maltechnik, bei der mit einem trockenen Pinsel und wenig Farbe gemalt wird. Das Resultat sind gebrochene, irgendwie zerkratzt wirkende Linien und Flächen.

Ein Trompe l'oeil ist ein Gemälde, das "das Auge täuscht". Art der illusionistischen Malerei, die sich durch ihren sehr präzisen Naturalismus auszeichnet.

Stillleben, die im Holland des 17. Jahrhunderts populär waren und Objekte enthielten, die an die Unbeständigkeit des zeitlichen Lebens und an die Sterblichkeit erinnern.

Wenn Du Wachsfarbstifte oder Wachspastelle verwendest, kennst Du wahrscheinlich die Wachsblume, den trüben, grauen oder weißlichen kristallinen Film, der sich auf dem Kunstwerk bildet.

Eine Wachsblume wird auch als Ausblühen bezeichnet und ist eines der wenigen unangenehmen Dinge beim Zeichnen mit Buntstiften. Sie kann sich über einen Zeitraum von Tagen, Wochen oder sogar Jahren bilden. Die Luftfeuchtigkeit trägt dazu bei. Je höher die Luftfeuchtigkeit, desto wahrscheinlicher ist es, dass man Wachsblüten bekommt. Und sie treten vorwiegend auf schweren Schichten dunkler Farben auf.

Wachs, das als Bindemittel verwendet wird, oxidiert mit der Zeit und steigt nach oben. Und das Ausblühen tritt nicht allein bei Zeichnungen auf, sondern auch bei Enkaustik.

Wachsblume entfernen

Eine Wachsblume ist nicht das Ende der Welt. Um sie loszuwerden, kann man seine Zeichnung einfach vorsichtig mit einem Tuch aus etwas Weichem wie Baumwolle abwischen. Ein altes Baumwoll-T-Shirt ist prima. Man muss jedoch sehr vorsichtig wischen, da das Tuch Pigmente verschmieren kann. Die Stoffmethode funktioniert leider nicht dauerhaft. Die Blüte wird zurückkehren.

100%igen Schutz gegen Wachsblumen gibt es nicht. Wenn man eine Wachsblume von Angang an wirklich vermeiden möchte, dann sollte man besser mit Aquarellstiften zeichnen und auch keine dicken, schweren Schichten anlegen.

• Kunst nach 1945.
Dies ist die Definition, an die sich die meisten Museen halten, wenn sie ihre Sammlungen zeitgenössischer Kunstwerke definieren. Die meisten Kunsthistoriker halten dies jedoch für veraltet.

• Kunst, die in unserer Zeit oder zu unseren Lebzeiten produziert wurde.
Dies entspricht der Definition von "zeitgenössisch", die von allgemeinen Historikern verwendet wird, ist jedoch für unsere Zwecke zu vage.

• Kunst seit den 1960er Jahren.
Diese Definition wird von Kunstkritikern am häufigsten verwendet, es bestehen jedoch weiterhin Meinungsverschiedenheiten über den genauen Stichtag. Ist es zum Beispiel 1964 oder 1968 oder 1969?