Mitte des 19. Jahrhunderts entstand in Europa ein neuer Kunststil: der Realismus. Diese Kunstbewegung zeichnete sich durch eine beispiellose Aufmerksamkeit für alltägliche Themen aus und veränderte die westliche Kunstwelt.

Zum ersten Mal in der Geschichte der Kunst führte diese Bewegung die Darstellung von Durchschnittsbürgern, Arbeitern, zeitgenössischen Schauplätzen und alltäglichen Szenen als würdige künstlerische Themen ein.

Gustave Courbet wird oft als die führende Figur des Realismus angesehen. Er legte den Grundstein für die Bewegung in den 1840er Jahren, als er begann, Bauern und Arbeiter in großem Maßstab darzustellen, die typischerweise religiösen, historischen oder allegorischen Themen vorbehalten waren. (Siehe auch > Naturalismus)

In den zweihundert Jahren zwischen 1400 und 1600 erlebte Europa eine erstaunliche Wiederbelebung der Zeichnung, Malerei, Skulptur und Architektur in Italien, die wir heute als Renaissance (rinascimento) bezeichnen.

In sehr einfachen Worten stellte die italienische Renaissance die westliche Kunst nach den Prinzipien der klassischen griechischen Kunst wieder her, insbesondere nach der griechischen Skulptur und Malerei.

Ab dem frühen 14. Jahrhundert ließen sich italienische Künstler und Denker auf der Suche nach neuen künstlerischen Werten und einer Antwort auf den höfischen Stil der internationalen Gotik von den Ideen und Formen des antiken Griechenlands und Roms inspirieren. Dies stimmte perfekt mit ihrem Wunsch überein, eine universelle, sogar edle Kunstform zu schaffen, die die neue und selbstbewusstere Stimmung der Zeit ausdrücken konnte.

Vor allem die Kunst der Renaissance wurde von dem neuen Begriff des "Humanismus" angetrieben, einer Philosophie, die die Grundlage für viele der Errungenschaften (z. B. Demokratie) des heidnischen antiken Griechenlands war. Der Humanismus spielte das religiöse und weltliche Dogma herunter und legte stattdessen größten Wert auf die Würde und den Wert des Einzelnen.

In der bildenden Kunst stand der Humanismus für (1) die Entstehung der einzelnen Figur anstelle von stereotypen oder symbolischen Figuren. (2) Größerer Realismus und konsequente Liebe zum Detail, was sich in der Entwicklung der linearen Perspektive und dem zunehmenden Realismus menschlicher Gesichter und Körper widerspiegelt; Dieser neue Ansatz erklärt, warum die klassische Skulptur so verehrt wurde und warum die byzantinische Kunst aus der Mode kam. (3) Betonung und Förderung tugendhaften Handelns.

In Nordeuropa war die Renaissance durch Fortschritte bei der Darstellung des Lichts durch den Raum und seiner Reflexion von verschiedenen Oberflächen gekennzeichnet. und (am sichtbarsten) bei der Erreichung des höchsten Realismus in Staffelei-Porträt und Stillleben. Dies war teilweise auf die Tatsache zurückzuführen, dass die meisten Künstler der nördlichen Renaissance im frühen 15. Jahrhundert Ölfarben verwendeten, anstatt Tempera oder Fresken, die (aus klimatischen und anderen Gründen) in Italien immer noch die bevorzugten Malmethoden waren. Das Ölgemälde ermöglichte kräftigere Farben und konnte aufgrund seiner längeren Trocknungszeit viele Wochen lang überarbeitet werden, um feinere Details und mehr Realismus zu erzielen. Die Öle breiteten sich schnell nach Italien aus: zuerst nach Venedig, dessen feuchtes Klima weniger für Tempera geeignet war, dann nach Florenz und Rom.

Eine Methode zum Erstellen oder Verbessern der Perspektive in einem Gemälde, beispielsweise durch Platzieren einer großen Figur odert eines großen Objekts im Vordergrund.

Solche Repoussoir-Figuren waren gemeinsame Merkmale der niederländischen Figurenmalerei des 17. Jahrhunderts.

Niederländische realistische Landschaftskünstler nutzten oft die dramatische Wirkung von Repoussoir, um ihre Bilder der flachen und spannungslosen niederländischen Landschaft zu beleben.